DONTGIVEADAMNS__MARIAN CRAMER__AMSTERDAM__2020
Cuando la creación artística se aleja de la representación realista y se libera de las reglas de la realidad tangible, ingresa en la esfera infinita de la imaginación y la innovación. Las obras creadas con ese enfoque están impulsadas por la necesidad de crear y explorar este reino oscuro a través de la experimentación de los aspectos visuales y técnicos de la práctica creativa. Ya sea con la abstracción, volviendo a la pintura "naive" o "bad painting", simplificando las imágenes a formas apenas reconocibles, permitiendo que los materiales guíen el camino creativo, los artistas que trabajan de esa manera en algún momento dejaron de "giving a damn" y entraron audazmente en territorio desconocido.
Marian Cramer Projects en Ámsterdam se ha asociado con el curador, escritor y editor colaborador de la revista Juxtapoz, Sasha Bogojev, para una emocionante exposición colectiva que celebrará el comienzo del verano y la esperanzadora restauración de la energía de la vida cotidiana. DontGiveADamns es una selección ecléctica de 18 artistas internacionales cuya práctica creativa lleva el “f**k it!” actitud en algún nivel. Ya sea que se acerquen a la representación de sus imágenes de forma poco estricta, que sean deliberadamente descuidados con el aspecto técnico de su trabajo, o que intenten resueltamente no encajar en ningún género existente, DontGiveADamns está encarnando el "espíritu libre creativo" al máximo.
When artmaking steps away from realistic representation and releases itself from the rules of tangible reality, it enters the infinite sphere of imagination and innovation. Works created with such approach are fueled by the urge to create and explore this obscure realm through experimentation of both the visual and technical aspects of the creative practice. Whether with abstraction, going back to “naive” or “bad” painting, simplifying imagery to barely recognizable forms, allowing the materials to lead the creative path, the artists working in such manner at some point stopped “giving a damn” and boldly entered the unknown territory.
Marian Cramer Projects in Amsterdam has teamed up with curator, writer, and contributing editor of Juxtapoz magazine, Sasha Bogojev, for an exciting group exhibition that will celebrate the beginning of Summer and hopeful restoration of everyday life’s energy. DontGiveADamns is an eclectic selection of 18 international artists whose creative practice carries the “f**k it!” attitude at some level. Whether approaching the rendering of their visuals loosely, being purposely careless or sloppy about the technical aspect of their work, or resolutely trying to not fit in any existing genres, DontGiveADamns are embodying the textbook “creative free spirit” to the fullest.
DontGiveADamns will be presenting new original works by Rhys Lee, Joji Nakamura, Lung, Picardo Mario, Heidi Ukkon, Erkut Terlikaiz, David Noro, Jordy van den Nieuwendijk, Derek Aylward, Felix Treadwell, Charles Shedden aka Owvbics, Wayne Horse, Marti Sawe, Pelucas Pilas Bubbles, Nabeeha Mohamed, Hunter Potter, Antwan Horfee, Evgeen Čopi Gorišek, and Jordy Kerwick.
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ZOO__MIMA MUSEUM__BRUSSELS__2020
Desde los albores de los tiempos, los animales han inspirado a los artistas. Algunas representaciones de animales se describen como "antropomórficas". Esto es cuando un artista atribuye el comportamiento humano o la morfología a un animal u objeto. El uso del antropomorfismo en el arte revela nuestras percepciones del mundo y nuestras creencias religiosas. Es un espejo de la humanidad a lo largo de los siglos.
De vuelta en la antigüedad, el valor simbólico de un animal se basaba en su verdadera característica. En la mitología egipcia, por ejemplo, Anubis era el dios que presidía el embalsamamiento y los cementerios protegidos. Fue representado como un chacal, debido a su naturaleza carroñero. En la antigüedad, los animales, los humanos y los dioses eran en gran medida intercambiables. Zeus mismo tomó la forma de un toro para seducir a las ninfas.
En la Edad Media, el cristianismo introdujo la nación del dualismo mente-cuerpo. Veía al animal y al ser humano como dos naturalezas distintas. Y afirmó que el hombre nunca podría ser "transformado" en un animal. Clasificó a todos los animales de acuerdo con sus supuestos acercamientos al Bien y al Mal. La serpiente, el dragón representaba el mal extremo. El unicornio fue visto como una expresión de pureza absoluta.
Durante el Renacimiento, el redescubrimiento de la Antigüedad vio el simbolismo cristiano coexistir con el antiguo paganismo. La celebración de la antigüedad, con sus variaciones mitológicas, alcanzó su apoteosis en el siglo XVII.
En el siglo XVIII, el siglo de la Ilustración y el teatro, los animales fueron "representados" en cuentos trágicos, cómicos o morales como las Fábulas de La Fontaine.
Durante el siglo X, el animal perdió gradualmente su función simbólica. El animal se convirtió en un sujeto artístico pictórico por derecho propio. Esto coincidió con los primeros días de la cultura de los medios de comunicación, dando un nuevo impulso al antropomorfismo. Esta tendencia cobró impulso durante el siglo XX con el surgimiento de nuevos medios como la prensa, el cine, los cómics y la publicidad.
En el siglo XXI, la globalización cultural significa que todos los símbolos antropomórficos imaginables se combinan en todos los campos creativos. En el contexto de la cultura pop, la exposición ZOO en el MIMA explora la condición humana desde el punto de vista de 11 artistas. Eres libre de interpretar por ti mismo lo que estos amigos emplumados y peludos están destinados a expresar.
Since the dawn of time animals have inspired artist. Some representations of animals are described as "anthropomorphic". Thi is when an artist attributes human behaviour or morphology to an animal or object. The use of anthropomorphism in art reveals our perceptions of the world and our religious beliefs. It is a mirror of humanity down the ages.
Back in Antiquity, the symbolic value of an animal drew on its real characteristis. In Egyptian mythoogy, for example, Anubis was the god who presided over embalming and proteted burial grounds. He was depicted as a jackal, due to its scavening nature. In Antiquity, animals, humans and the gods were largely interchangeable. Zeus himself took the form of a bull to seduce the Nymphs.
In the Middle Ages Christianity introduced the nation of mind-body dualism. It viewed the animal and the human being as tw distinct natures. And claimed that man could never be "transformed" into a animal. It classified all animals according to their supposed closenes to Good and Evil. The snake, the dragon stood for extreme evil. The unicorn was seen as an expression of absolute purity.
During the Renaisance, the rediscovery of Antiquity saw Christian symbolism coexist with ancient paganism. The celebration of Antiquity, with its mythological variations, reached its apotheosis in the 17th century.
In the 18th century, the century of the Enlightenment and the theatre, animals were "staged" in tragic, comic or moral tales such as the Fables of La Fontaine.
During the 10th century the animal gradually lost its symbolic function. The animal became a pictiorial artistic subject in its own right. This concurred with the early days of mass media culture, giving a new impetus to anthropomorphism. This trend gathered momentum during the 20th century with the emergence of new media such as the press, cinema, comic books and advertising.
In the 21st century cultural globalisation means that all imaginable anthropomorphic symbols are combined across al creative fields. Against the backdrop of po culture, the exhibition ZOO at the MIMA explores the human condition from the point of view of 11 artists. You are free to interpret for yourself what these feathered and furry friends are meant to express.
Text Raphaël Cruyt
In situ installations and paintings mark out a visit to ZOO, the new MIMA exhibition. References to pop, humour and anthropomorphic art provide the backdrop.
THE ARTISTS
Parra (NL), Pablo Dalas (FR), Egle Zvirblyte (LTU), Todd James (US), Russell Maurice (UK), MARTÍ SAWE (ES), Steven Harrington (US), Ryan Travis Christian (US), Rhys Lee (AUS), Finsta (SW), Laurent Impeduglia (BE).
CURATORS
Alice van den Abeele and Raphaël Cruyt
WHAT DO YOU WRITE?__COLAB GALLERY__WEIL AM RHEIN__2019
"¿Qué escribes?" Se centra en el tema para mostrar el último desarrollo de la cultura de la escritura de graffiti con todos los aspectos estéticos, estilos nuevos e innovadores y técnicas de trabajo experimentales de la escena actual.
"¿Qué escribes?" Representa un saludo entre los artistas de graffiti, presentando el alter ego bajo el cual el artista elige actuar. El propósito y el espíritu de la escritura tienen el único propósito de permitir que el seudónimo del artista sea un diseño estético de su propia letra, para darse a conocer, y al principio rara vez tuvo una motivación sociopolítica. Hoy también se fusionan aspectos políticos, sociales y culturales, creando así principalmente un mensaje detrás de las letras o la etiqueta. A menudo, las letras no son reconocibles a primera vista y hay que inspeccionar aún más la compleja estructura para descifrar el nombre. Los sistemas de signos clásicos y la tipografía se encuentran con formas de expresión abstractas e individualizadas y se convierten en obras de arte. La Galería Colab se encuentra con los artistas a la altura de los ojos e invita a los visitantes a observar más de cerca los diferentes estilos.
Ocho escritores internacionalmente activos con técnicas y caligrafías completamente diferentes mostrarán su arte en „What Do You Write?“ Presentando este tipo de diversidad de graffiti.
Además de elementos clásicos como firmar, "throw up", estilo de burbuja o salvaje, abstracción y elementos 3D se encuentran actualmente, así como cada vez más personajes y obras tridimensionales como plásticos o esculturas. La escritura es el tipo de graffiti socialmente mejor aceptado y común, que encontró su lugar en la escena del arte y los medios publicitarios hace mucho tiempo. Sin embargo, los escritores que dejan sus marcas en las paredes y los trenes aún prevalecen, para experimentar la emoción de la velocidad y lo prohibido.
Esperamos presentarle: Sweetuno (Suiza), Salmos (Brasil), Dado (Italia), Sicoer (Polonia), Demsky J. (España), Marti Sawe (España), Mason (Alemania) y Funco ( Francia). De este modo, mostraremos la variedad de la escritura de graffiti, desde el clásico estilo de burbuja Salmos con figuras cómicas de nuestra infancia, hasta escritos construidos futuristamente basados en gráficos de computadora tempranos de Demsky J., hasta los escritos experimentales con alineaciones abstractamente pulidas hechas por el Basler Sweetuno.
„What Do You Write?“ focusses on the subject to show the latest development of the graffiti writing culture with all aesthetic aspects, new and innovative styles and experimental working techniques of the current scene.
„What Do You Write?“ depicts a greeting amongst graffiti artists, introducing the alter ego under which the artist chooses to perform. The purpose and spirit of writing serve the sole purpose of letting the artist’s pseudonym as an aesthetic design of his own handwriting, to become known, and initially was seldom socio-politically motivated. Today also political, social and cultural aspects merge in, thus mostly creating a message behind the letters or the tag. Often letters are not recognizable at first sight and one needs to further inspect the complex structure in order to decipher the name. Classical sign systems and typography meet with abstract, individualized forms of expression and become pieces of art. The Colab Gallery meets the artists at eye level and invites the visitors to take a closer look at the different styles.
Eight internationally active writers with completely different techniques and handwriting will be showing their art in „What Do You Write?“ presenting this kind of graffiti diversity.
In addition to classic elements such as tagging, throw up, bubble or wild style, abstraction, and 3D-elements are currently found, as well as increasingly characters and threedimensional works as plastics or sculptures. Writing is the socially best accepted and common type of graffiti, which found its place in the art scene and advertising media a long ago. Nevertheless, writers leaving their marks on walls and trains still prevail, in order to experience the thrill of speed and the forbidden.
We are looking forward to presenting to you: Sweetuno (Switzerland), Salmos (Brasil), Dado (Italy), Sicoer (Poland), Demsky J. (Spain), Marti Sawe (Spain), Mason (Germany), and Funco (France). Thereby we will be showing the variety of graffiti writing, from Salmos classic bubble style with comic figures of our childhood, over futuristically constructed writings based on early computer graphics by Demsky J., right up to the experimental writings with abstractly polished alignments done by the Basler Sweetuno.
DYSTOPIA__GALERÍA KRESILER__MADRID__2019
Disfruté especialmente el proceso creativo de la exposición de NY. Al cabo de un tiempo residía en mí muchas ganas de continuarla, concretamente una de las series "NFKL" volvía a mi cabeza constantemente. Ante la oportunidad de exponer en la galería Kreisler de Madrid, decidí mostrar por primera vez esas obras del 2017 en España añadiendo trabajos nuevos, en su mayoría esculturas.
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I especially enjoyed the creative process of the NY exhibition. After a time, I really wanted to continue it, specifically "NFKL" serie constantly came back to my head. Given the opportunity to exhibit at the Kreisler gallery in Madrid, I decided to show those works from 2017 in Spain for the first time by adding new works, mostly sculptures.
Lo que pretendo con un proceso creativo caótico es construir propuestas desde el inconsciente, intuitivamente, intentando evitar el filtro de la lógica. Tras una sesión de improvisación a contrareloj nació esta obra que me dio pie a fantasear con un deporte mezcolanza de béisbol, lanzamiento de jabalina y la Tomatina. Se trata de alcanzar en el aire el máximo de frutas asignadas a cada equipo con una jabalina. NFKL son las siglas de National Fruit Kabob League y el personaje que aparece en el collage es el lanzador, maestro de ceremonias de todo el partido, vestido con armaduras para protegerse de las jabalinas proyectadas por los jugadores.
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What I try with a chaotic creative process is to construct proposals from the unconscious, intuitively, trying to avoid the filter of logic. After a jam session against the clock, this work was born that gave me the opportunity to fantasize about a hodgepodge sport of baseball, javelin throw and Tomatina. It is about reaching in the air the maximum of fruits assigned to each team with a javelin. NFKL is the initials for the National Fruit Kabob League and the character featured in the collage is the pitcher, all-match ringmaster, dressed in armor to protect himself from javelins projected by players.
Pensar después de hablar. De esta manera escucho mi yo más puro, reflexiono y me hago preguntas. Porqué comida? Porqué deporte?
Mis padres siempre me han dicho "sale mejor comprarte un traje que invitarte a comer", pues no han tenido que luchar ni por mi ingesta de acelgas. Mi abuelo tenia una tienda de legumbres y mi padre mas tarde lo ayudó transformándola en una tienda de ultramarinos. Todos los viernes noche de mi infancia y parte de mi adolescencia ayudaba a guardar las frutas y verduras en la cámara frigorífica mientras mi madre o mi hermana preparaban sandwich mixtos para llevarnos al pueblo, donde pasábamos todo el fin de semana. Es curioso como cada vez que como uno de esos sandwich me traslada a ese momento.
Mi relación con el deporte en cambio no fue tan fuerte de pequeño. Mi actividad estuvo siempre mas enfocada en lo creativo que en lo cardiovascular. En ese pequeño pueblo donde transcurrían mis fines de semana no habían niños de mi edad cerca, así que siempre me he dedicado a inventar juegos mas que ir en comunidad a practicarlos. Es en la actualidad que los valoro más y los practico en grupo o individualmente. En ocasiones me encuentro masticando mientras pienso en el deporté que practicaré más tarde, causando así una ingesta más veloz y cuantitativa. Y aunque enfrentado la vida con una actitud laica, comprendo esta ansiedad autoinfligida como la típica culpa cristiana. Disfruto y sufro la comida al igual que disfruto y sufro el deporte. Pero no me siento único cuando observo el boom de restaurantes y gimnásios 24H en todas las grandes ciudades.
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Think after speaking. In this way I listen to my purest self, I reflect and ask myself questions. Why food? Why sport?
My parents have always told me "it is better to buy a suit than to invite you to eat", because they have not had to fight even for my intake of chard. My grandfather owned a dried vegetable store and my father later helped him by transforming it into a grocery store. Every Friday night of my childhood and part of my adolescence I helped to store fruits and vegetables in the cold room while my mother or sister prepared mixed sandwiches to take us to town, where we spent the whole weekend. It's funny how every time I eat one of those sandwiches I am moved to that moment.
My relationship with sports, on the other hand, was not so strong when I was little. My activity was always more focused on creativity than cardiovascular. In that small town where my weekends were spent there were no children my age nearby, so I have always dedicated myself to inventing games rather than going to the community to practice them. It is today that I value them most and practice them in community or individually. Sometimes I find myself chewing while I think about the sport that I will practice later, thus causing a faster and more quantitative intake. And although I faced life with a secular attitude, I understand this self-inflicted anxiety as the typical Christian guilt. I enjoy and suffer from food just as I enjoy and suffer from sports. But I do not feel unique when I see the boom in restaurants and gyms 24H in all the big cities.
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TECHNO MORPHO GENESIS__LA MOUCHE__BÉZIERS__2019
La technologie nous construira ou nous détruira. (Jenny Holzer).
Si vous ne pouvez pas battre la machine, le mieux est d’en devenir une. (Elon Musk)
La science-fiction permet aux êtres humains de projeter leurs fantasmes dans le futur.
À mesure qu’avance leur société et que se déroule le temps et l’histoire, cette mise en abîme vient se confronter au principe de réalité.
Les robots ont gagné.
Ils ont gagné car la dépendance des humains à la technologie est telle que tout sevrage semble insurmontable, impensable...
Hier leur corps a fusionné avec la machine, demain leur intelligence sera artificielle.
La mécanique vient remplacer la biologie défaillante, limitée, et périssable.
Hasta la vista, baby. (Terminator 2)
Paradoxalement, la nature a aussi gagné.
Leur fragile dépendance signe sa victoire.
Leurs connaissances ne leur a pas permis de dompter la puissante Gaïa.
La terre survivra; n’est elle pas la résilience incarnée?
La terre n’est que poussière tant que l’homme ignore comment
Il peut peindre en mille couleurs. (Pocahontas)
Finalement, l’être humain n’est il que le trait d’union entre la technologie et la nature, une erreur sémantique?
Techno Morpho Genesis revient sur les thèmes classiques de la science-fiction tout en s’en jouant.
Entre savants fous et archéologues visionnaires, philosophes sans diplômes et graffiteurs poètes , nous vous invitons dans le cabinet des curiosités TMG.
Adrien Fregosi, Marti Sawe et Paul Loubet déploient une multitude de gestes artistiques (peinture, sculpture, installation...) amenant le visiteur dans un dédale de futurs possibles. La Cuisine Sauvage se saisira des pistes narratives proposées et parasitera l’exposition avec leurs expériences culinaires.
Ces visions d’artiste, nourries de cultures populaires et inspirées des enseignements scientifiques sont autant le point de départ à la création d’oeuvres que sa finalité.
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Technology will build us or destroy us. (Jenny Holzer).
If you can't beat the machine, your best bet is to become one. (Elon Musk)
Science fiction allows humans to project their fantasies into the future.
As their society advances and time and history unfold, this abyss comes to confront the principle of reality.
The robots have won.
They won because human dependence on technology is such that any withdrawal seems insurmountable, unthinkable ...
Yesterday their body merged with the machine, tomorrow their intelligence will be artificial.
Mechanics replace faulty, limited, and perishable biology.
Hasta la vista, baby. (Terminator 2)
Paradoxically, nature has also won.
Their fragile dependence marks its victory.
Their knowledge did not allow them to tame the mighty Gaia.
The earth will survive; isn't resilience embodied?
The earth is nothing but dust as long as man does not know how
He can paint in a thousand colors. (Pocahontas)
Finally, is the human being only the link between technology and nature, a semantic error?
Techno Morpho Genesis returns to the classic themes of science fiction while playing with it.
Between mad scientists and visionary archaeologists, philosophers without degrees and poetic graffiti artists, we invite you to the cabinet of curiosities TMG.
Adrien Fregosi, Marti Sawe and Paul Loubet deploy a multitude of artistic gestures (painting, sculpture, installation ...) bringing the visitor into a maze of possible futures. La Cuisine Sauvage will take up the proposed narrative tracks and will parasite the exhibition with their culinary experiences.
These visions of artist, nourished by popular cultures and inspired by scientific teachings are as much the starting point for the creation of works as its purpose.
MARTÍ SAWE
PAUL LOUBET
ADRIEN FREGOSI
LA CUISINE SAUVAGE
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WALL BETWEEN__SC GALLERY__BILBAO__2019
La forma del muro continúa anclada en la actualidad y su simbología está más presente que nunca. Observamos multitud de muros en contextos diversos, incluso podemos percibir aquellos invisibles e intangibles. En la era de la sobreinformación, de las fake news y de la adicción al scroll, nos topamos con fronteras de diversa índole sin necesidad de salir de un mismo lugar. WALL BETWEEN descubre la existencia de un puente falso, ilusorio y aparente pero a su vez más presente que nunca. Un puente entre dos espacios, el físico y el metafórico: muros para dividir pero también para comunicar. La pared como emplazamiento de mensajes de libertad o como el obstáculo que se interpone entre naciones, ciudadanos y personas.
“En estos dos caminos tan alejados entre si, podemos ver un puente imaginario que nos interpela como un guion de Narcisa Hrisch proyectado en “EL HOYO” (México)”.
Con WALL BETWEEN Grip Face da continuidad a su papel como comisario, iniciado en 2012 con Vías Subversivas – un proyecto expositivo itinerante- y reafirmado en 2013 con SR/OFF, muestra acogida por CAC Ses Voltes & Fundación Pilar i Joan Miró, ambos proyectos expositivos que reunían artistas de distintas procedencias pero habitantes de un lugar común. En WALL BETWEEN todos comparten un mismo origen: el dibujo, así como su vinculación con el espacio público.
Ekta , Talita Hoffmann ,Martí Sawe, Raisa Alava , Nacho Eterno, Amanda Baeza , Anapurna.
Walls and their symbology are more present than ever. We find walls in diverse contexts, and we can even perceive invisible and intangible walls. In this era of information overload, fake news and scrolling addiction, we find barriers of several kinds without even having to get out of one place. “Wall Between” discovers the existence of an illusory bridge between two spaces, physical and metaphoric: walls to divide but also to communicate. Hence, the wall can be used to place messages for freedom, or as an obstacle between nations, citizens and people.
With “Wall Between”, Grip Face takes a new step as a commissioner, a role that he started in 2012 with the touring exhibition “Vías Subversivas” (‘Subversive Ways’) and reaffirmed in 2013 with “SR/OFF”, hosted by CAC Ses Voltes and the Pilar i Joan Miró Foundation. These exhibition projects combined artists from different backgrounds but with a shared commonality. In “Wall Between”, all the artists share a passion for drawing and for the public space
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CREENÇA__VOID PROJECTS__BERGA__2018
Creença es una residencia de dos meses que alberga a más de 50 artistas multidisciplinarios locales, nacionales e internacionales en Cataluña, España. Teniendo lugar en un antiguo convento del siglo XIX, el espacio hoy se ejecuta como una residencia de arte y un centro cultural llamado Konvent.
Iniciado por Void projects; pintores, escultores, artistas de instalación, intérpretes y cineastas visitaron a lo largo de julio y agosto de 2018 para crear instalaciones específicas del sitio y obras originales in situ que culminaron en un evento de tres días del 31 de agosto al 2 de septiembre.
"Creença" (Creencia) comprende el concepto de creencia desde un punto de vista personal, religioso o epistemológico; cuestionando la línea entre creencia y conocimiento y proponiendo diferentes perspectivas relativas. Abrazando las convenciones sociales y los rituales de la religión, evitando la creencia dogmática. Creença invita al artista a abordar e interpretar los temas desde su propia perspectiva relativa.
Creença, pretende fomentar un sentido de comunidad dentro de nuestro movimiento y reforzar la ideología del diálogo y la convivencia entre artistas durante el proceso creativo. Buscando juntos un lugar común entre la tradición y los pensamientos progresivos.
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Creença is a two-month residency hosting over 50 local, national and international, multidisciplinary artists in Catalonia, Spain. Taking place in an old Convent from the 19th Century, the space today is run as an art residency and a cultural center called Konvent.
Initiated by Void Projects; painters, sculptors, installation artists, performers, and filmmakers will visit throughout July and August 2018 to create site specific installations and original works in situ to culminate in a three-day even from 31st of August and 1-2nd of September featuring theatre and live music.
Creença (Belief) comprises the concept of belief from a personal, religious or epistemological standpoint; questioning the line between belief and knowledge and proposing different relative perspectives. Embracing the social conventions and rituals of religion while avoiding the dogmatic belief. Creença invites the artist to address and interpret the themes from their own relative perspective.
Creença, intends to foster a sense of community within our movement and reinforce the ideology of dialogue and cohabitation between artists during the creative process. Searching together for a commonplace between tradition and progressive thoughts.
Curated by Axel Void
Organized by Elsa Guerra, Jofre Oliveras, Charlotte Pyatt
Fotos by Vinny Cornelli
De los dos meses de residencia yo entré las dos últimas semanas y por casualidad. Al llegar al sitio me di cuenta de que el material artístico disponible ya escaseaba y que había una fabrica textil abandonada al lado, estrechamente relacionada con el convento. Paseé durante horas por la fábrica reflexionando sobre el tema propuesto. Decidí no pelear con mis compañeros por el material (que puedo conseguir en una tienda de bellas artes cualquier día del año) y aprovechar el material abandonado que me ofrecía esa fábrica, con su pasado, su vivencia, su polvo.
En Berga hay una fiesta declarada Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la Unesco, llamada "La Patum". Aunque en algún momento de la historia la iglesia Católica cristianizó muchos elementos paganos para adoctrinar al pueblo, aun mantiene ceremonias precristianas y sobretodo se celebra con una actitud muy laica y festiva. De entre todas las figuras místicas, gigantes, dragones, cabezones, el águila... me centré en los diablos que bailan al ritmo del fuego en los "Plens". Sus máscaras pintadas con gruesos puntos y rayas, rodeadas de ramas frescas, para que el fuego no prenda, son impactantes.
Propuse una revisión de estos diablos a nivel estético y conceptual. Traté de desprenderme de su condición sobrenatural y maléfica, situándole en la fauna y flora, como si existieran de verdad. A mi entender, los que celebran estos bailes con fuegos están haciendo algo parecido, bajando el concepto de diablo a la tierra y festejando, bailando, sin actitud sombría. Aunque mis obras tenían asignada una sala para ser expuestas, saqué mis diablos a fuera en el jardín, cerca de donde encontré el material, para verlos en su "verdadero" entorno.
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I entered the last two weeks of the residence by chance. Upon arriving at the site I realized that the available material was already in short supply and that there was an abandoned textile factory closely related to the convent. I walked for hours through the factory reflecting on the topic that was proposed to us. I decided not to fight with my colleagues over the artistic material (that I can get in a fine art shop any day of the year) and take advantage of the abandoned material that the factory offered me, with its past, its experience, its dust.
In Berga there is a festival declared Intangible Heritage of Humanity by Unesco, called "La Patum". Although at some point in history the Catholic Church Christianized many pagan elements to indoctrinate the people, it still maintains pre-Christian ceremonies and above all it is celebrated with a very secular and festive attitude. Among all the mystical figures, giants, dragons, big heads, the eagle ... I focused on the devils who dance to the rhythm of fire in the "Plens". Their masks painted with thick dots and stripes, surrounded by fresh branches, so that the fire does not catch on, are impressive.
I was interested in doing a review of these devils on an aesthetic and conceptual level. I tried to get rid of his supernatural and malefic condition, placing him in the fauna and flora, as if they really existed. In my opinion, those who celebrate these dances with fires are doing something similar, lowering the concept of the devil to earth and celebrating, dancing, without a gloomy attitude. Although my works had a room assigned to be exhibited, I took my devils out to the garden, near where I found the material, to see them in their true surroundings.
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DYSTOPIAN FUTURE__MARTINEZ GALLERY__NEW YORK__2017
Martinez Gallery es un proyecto que junta la pediatría y el arte, muy enfocado en graffiti. Me propusieron exponer individualmente en NY por primera vez y con mucha ilusión, presenté 16 obras en papel, 11 lienzos, 1 escultura grande y intervenciones murales en la pared.
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Martinez Gallery is a project that combines pediatrics and art, very focused on graffiti. They proposed me to exhibit individually in NY for the first time and with great enthusiasm, I presented 16 works on paper, 11 canvases, 1 large sculpture and mural interventions on the wall.
En mis estudios de ilustración aprendí a convertir el texto en imagen a partir de un proceso lógico:
Leer el texto - entenderlo y buscar ideas para traducir ese texto en una imagen - crear la imagen.
En esta ocasión decidí cambiar el orden para experimentar un proceso creativo menos atado a la lógica:
Crear la imagen - entenderla y buscar ideas para traducir esa imagen en texto - crear el texto.
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In my illustration studies I learned to convert text into image from a logical process:
Read the text - understand it and look for ideas to translate that text into an image - create the image.
On this occasion I decided to experience this process backwards:
Create the image - understand it and look for ideas to translate that image into text - create the text.
Invirtiendo el orden del proceso me obligué a crear imágenes sin concepto previo. En este inicio tan aleatorio conseguí dejar hablar mi inconsciente sin filtros a partir de una rápida sesión de improvisación con collage y pintura. Traté de dejar la mente en blanco guiándome solamente por lo que me decían los recortes. Tras obtener 9 imágenes me propuse entender que tenía delante, buscando posibles conexiones entre los recortes, la pintura y mi mundo interior. Mientras se iban construyendo los textos en mi cabeza pinté los lienzos grandes y finalmente redacté un texto para cada imagen. Concretamente lo conseguí con 5 de los 9 collages. 5 historias absurdas manchadas de ironía que nos trasladan a un futuro estúpido no muy lejano.
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Reversing the order of the process I forced myself to create images without prior concept. In this very random start I managed to let my unconscious speak without filters from a quick improvisation session with collage and painting. I tried to leave my mind blank, guided only by what the clippings told me. After obtaining 9 images I decided to understand what was in front of me, looking for possible connections between the cutouts, the painting and my inner world. While the texts were being built in my head I painted the large canvases and finally wrote a text for each image. Specifically, I did it with 5 of the 9 collages. 5 absurd stories stained with irony that take us to a stupid future not too far away.
NFKL
National Fruit Kabob League es un deporte nacional que se creó originalmente para celebrar la abundante cosecha anual de fruta. Alcanzando en el aire el máximo de frutas asignadas a cada equipo con una jabalina. Después del cierre de la Organización Mundial del Medio Ambiente, el NFKL ha estado más de una década desperdiciando 8, 000, 0000 toneladas de fruta por año.
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National Fruit Kabob League is a national sport that was originally created to celebrate the abundant annual fruit harvest. Reaching in the air the maximum of fruits assigned to each team with a javelin. After the closure of the World Environment Organization, the NFKL has spent more than a decade wasting 8,000,0000 tons of fruit per year.
FUGU PIZZA
La pizzería más snob de la ciudad te trae la fusión de culturas definitiva. Lujosa pizza japonesa de Fugu, el pescado más venenoso de la tierra. Un placer por solo 250 €.
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The snobbiest pizzeria in the city brings you the definitive fusion of cultures. Sumptuous Japanese Fugu pizza, the most poisonous fish on earth. A pleasurable for only 250 €.
GOD FLEX
El nuevo Dios de los cereales CORN-Flex está causando sensación en las redes sociales. God FLex propone un ritual que involucra a una persona que permite que el semidiós se lo coma y lo defeque en la versión más delgada de esa persona.
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The new God of CORN-Flex cereals is causing social media sensation. God FLex posits a ritual involving a person who allows the demigod to eat him and defecate him in the thinnest version of that person.
ADAN
Este robot gigante de la NASA se comunica con la vida extraterrestre a través de eclipses y acaba de ser atacado. Dentro de la mano derecha de ADAN están los 346 únicos sobrevivientes perdidos en órbita. Fuentes oficiales confirman que el atacante no era extraterrestre, la nave enemiga parece ser de origen humano.
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This giant NASA robot communicates with alien life through eclipses and has just been attacked. Inside Adan's right hand are the 346 sole survivors lost in orbit. Official sources confirm that the attacker was not extraterrestrial; the enemy ship appears to be of human origin.
ROBOPET
El mejor amigo del hombre desde la muerte de la última especie animal. Nueva mascota, mitad robot, mitad animal con un proyector incorporado compatible con HD, HDMI, SD, USB; 120 GB de dibujos animados incorporados.
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Man's best friend since the death of the last animal species. New pet, half robot, half animal with a built-in projector compatible with HD, HDMI, SD, USB; comes with 120 GB of cartoons.
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POSDICOTOMÍAS__VAVA GALLERY__MADRID__2017
Siguiendo las pautas conceptuales de VAVA GALLERY, esta nueva muestra recoge el trabajo de trece artistas que tienen como origen común el arte ilícito.
Alberto de Pedro, Buny, Enrique Escandell, E1000, Hear, Jaime Alekos, Luce, Nano4814, Neko, Nuria Mora, Spok, Sawe, Sue975.
Cada uno de estos creadores ha desarrollado líneas de investigación plásticas muy diferentes, configurando un cuerpo de trabajo en el que aparecen preocupaciones diversas y cuyos resultados se muestran en esta exposición colectiva bajo el nombre de Posdicotomías.
Todos ellos han dejado atrás los lenguajes primigenios que los vinculaban al arte ilegal, para desarrollar una obra personal y claramente definida. Un conjunto de artistas que han sabido superar, a través del trabajo y la experiencia, discursos en los que se planteaba la incapacidad de estos autores de llevar a cabo obra de estudio. Prejuicios que les han llegado masivamente desde sendos ámbitos, el ilegal y el del arte tradicional.
Por ello, en el marco de esta exposición se valora la superación de esa dicotomía entre dos mundos, proponiendo rebasar sus limites y contrastar en el presente la realidad del nuevo arte contemporáneo y sus actores.
Posdicotomías presenta una serie de piezas con diferentes lenguajes que van desde la pintura hasta la instalación o la fotografía. Nunca desde límites bien definidos sino desde la intertextualidad y el difuminado de fronteras, acorde con la contemporaneidad de las piezas y poniendo de manifiesto la calidad y naturaleza única de las obras.
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Following the conceptual guidelines of VAVA GALLERY, this new exhibition collects the work of thirteen artists whose common origin is illicit art.
Each of these creators has developed very different lines of plastic research, setting up a body of work in which diverse concerns appear and whose results are shown in this collective exhibition under the name of Postdicotomies.
All of them have left behind the original languages that linked them to illegal art, to develop a clearly defined and personal work. A group of artists who have managed to overcome, through work and experience, discourses in which the inability of these authors to carry out study work was raised, prejudices that have reached them massively from both fields, the illegal and the of traditional art.
For this reason, in the framework of this exhibition, the overcoming of this dichotomy between two worlds is valued, proposing to exceed its limits and presently contrast the reality of the new contemporary art and its actors.
Posdicotomías presents a series of pieces with different languages ranging from painting to installation or photography. Never from well defined limits but from intertextuality and blurring of borders, in accordance with the contemporary nature of the pieces and highlighting the quality and unique nature of the works.
La instalación y las obras que presenté están inspiradas en un videoclip que hice para una banda de música llamada Extraperlo.
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The installation and the artworks that I presented are inspired by a video clip that I made for a music band called Extraperlo.
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MAGNETIC KIMURA __ANAGRA__TOKYO__2015
En mayo del 2015 viajé a Tokyo con Dems y compartimos exposición en la galería Anagra. Presentamos prints y dibujos originales sobre papel, de manera muy libre sin más pretexto que nuestra amistad y vínculo con el graffiti. El resto del viaje decidimos visitar el sud de Japón. No era la primera aventura nipona para Dems así que teníamos algunos amigos a los que llamar. Es increíble como el graffiti te abre esas puertas inesperadas de las ciudades y de sus gentes, llevándote fuera de los caminos turísticos standard. Recopilamos nuestras vivencias en un libro llamado Toro·Tarantula.
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In May 2015 I traveled to Tokyo with Dems and we shared an exhibition at the Anagra gallery. We present original prints and drawings on paper in a very free way, with no other pretext than our friendship and bond with graffiti. The rest of the trip we decided to visit the south of Japan. It was not the first Japanese adventure for Dems so we had some friends to call. It's amazing how graffiti open those unexpected doors of cities and their people, taking you off the beaten tourist path. We compile our experiences in a book called Toro·Tarantula.
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